中央美术学院美术馆自10月25日起,一至四层的主要展览空间,被四组气势宏大、自成一体的装置作品占据,这是安尼施•卡普尔回顾性艺术展首航中国,呈现他35年来的重要艺术创作,11月11日在北京太庙美术馆展出他的代表性雕塑作品。开幕一个月,已成为时下热门展览之一。据美术馆公布的数据,平均每天人流量达4000人次。

摘要:10月25日,安尼施·卡普尔在中国的首次大型个展在中央美术学院美术馆开幕,展览以“文献”的方式介绍了他横跨35年的重要艺术创作70多组。

摘要:享有国际盛誉的英国艺术家安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor)
即将于2019年11月在北京举办大型个人展览。

安尼施•卡普尔是当代西方艺术的代表人物,他的大型作品矗立在都市公共空间,被称为跨越世纪的艺术奇观。1954年卡普尔出生于印度孟买,1972年迁居英国伦敦,求学于霍恩西艺术学院和切尔西艺术与设计学院。1990年和1991年分获威尼斯双年展新秀艺术家奖和英国“特纳奖”,成为“新英国雕塑”的代表人物。

安尼施卡普尔在英国艺术界独树一帜,他的大胆创作常常模糊了雕塑和建筑之间的界限,激发了艺术界与公众的思维,这也使其成为当今最有影响力的艺术家之一。10月25日,安尼施卡普尔在中国的首次大型个展在中央美术学院美术馆开幕,展览以文献的方式介绍了他横跨35年的重要艺术创作70多组。

享有国际盛誉的英国艺术家安尼施卡普尔 (Anish Kapoor)
即将于2019年11月在北京举办大型个人展览。作为安尼施卡普尔在中国的首次个展,将呈现艺术家横跨35年的重要艺术创作。展览于10月25日在中央美术学院美术馆隆重开展,呈现气势恢宏、自成一体的装置作品;随后,为推广大众美育,展览将从11月11日起在北京太庙美术馆展出形态优美、情绪饱满的雕塑作品。

让我们聚焦卡普尔在美术馆的四组“大作”。进入一层展厅,观众迎面就会看到一个悬浮着的巨大红色太阳,默默注视着血红色的蜡质砖块从地面随着传送带缓缓上升,然后戏剧化地从顶端坠落,油蜡从高处坍塌在地的那一瞬间,心脏也随着这“咚!”的声响骤然坠落,紧张的情绪在落地的瞬间消解,伴随着下一次的上升、坠落复制着、重生着、循环着…这是一个典型机械化的的场景,这件作品的名称《致心爱太阳的交响乐》,曾在2013年于柏林的马丁格罗皮乌斯博物馆展出。三层展厅是卡普尔在2015年法国凡尔赛宫个人展览首秀的创作《将成为奇特单细胞的截面体》。在黑色巨大的立方体中,嵌入鲜红的孔洞,通过侧面隐蔽的门进入作品内部,看到这些洞神秘地缠绕在一起,形成了一张关于器官、感官纠缠的网。腔体结构贯穿立方体,内外形成完全差异化的空间对比,内部红色的光线穿透膜布,横竖穿插宛若神圣的光线,洒落在观众的身上,好象通过微缩细胞的视角,在身体中游走观看,让我们从另一个视角审视自我。

我的红色家乡(装置) 2003年 安尼施卡普尔

展览由中国美术家协会主席、中央美术学院院长范迪安担任学术顾问,中央美术学院副院长苏新平担任艺术总监,由中央美术学院美术馆馆长张子康担任总策展人、中央美术学院美术馆副馆长王春辰和北京太庙艺术馆执行馆长岳洁琼担任策展人,并邀请伦敦蛇形画廊总监汉斯乌尔里希奥布里斯特
(Hans Ulrich-Obrist)
担任策展顾问。本次展览是对卡普尔视觉艺术语言的深入探索,更是中英文化交流的重要见证。

《远行》 中央美院美术馆展览现场

安尼施卡普尔1954年出生于印度孟买,现工作居住于伦敦。他先后在伦敦弘赛艺术学院和切尔西艺术学院就读。1990年,卡普尔代表英国参加第44届威尼斯双年展,并荣膺PremioDuemila新秀艺术家奖,翌年又成为特纳奖得主。他的创作以带有极简主义色彩的大型装置作品而着称,红色蜡块、不锈钢反光镜、粉末是他常用的创作媒介,几乎每个作品都涵盖了他对世界和自我意识的探索、对时间和空间的追求。

《致心爱太阳的交响乐》,2013不锈钢、蜡、传送带图片拍摄:戴夫摩根©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019

转到展厅的另一侧,一辆湛蓝色的挖掘机“勤勤恳恳”在几百吨红土上不停地工作,挖出的红土在视野中蔓延,不知道会涌向何方,这是他2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观作品《远行》。另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》在四层展出,一个巨型的25吨红色圆质蜡饼,中心连着一条金属臂和一个机械车,随着小车的转动,金属臂环绕着蜡质表面缓慢运动,四周的蜡在不断地被切削,堆砌,从塑,形成新的形状和景观。

卡普尔曾说:红色是一种让我感受强烈的颜色。也许因为红色是一个非常印度的颜色,我生长的环境充满红色,之后我又在另一个层面重新认识它。

在中央美术学院美术馆的当代建筑空间展览将呈现其作品的戏剧与表演性,聚焦卡普尔迄今为止艺术作品的重要四件。曾在2013年于柏林的马丁-格罗皮乌斯博物馆展出《致心爱太阳的交响乐》(2013),将在美术馆大厅以崭新的面貌迎接观众。美术馆三层则将展出卡普尔在2015年法国凡尔赛宫个人展览首秀的创作《准备成为奇特单细胞个体的截面体》(2015)。而在这个作品旁的另一空间将呈现卡普尔曾于2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观作品《放逐》(2017),一辆形单影只的群青蓝挖掘机与数百吨的红色泥土形成了鲜明的对比。在美术馆四层,将是另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》(2003)。

面对卡普尔的作品,我们首先记住的是颜色,是单纯的红色,他剔除了“五光十色”,选择了最单纯的颜色,他对于世界的表达从色彩方面进行了抽象与归纳,而在他的红色里边,我们可以看到有一种来自文明和历史的色彩,更有他直接的对生命的感悟。

远行(装置) 2017年 安尼施卡普尔

《准备成为奇特单细胞个体的截面体》,2015P.V.C、铁730 x 730 x
730cm图片拍摄:Tadzio©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019

“红色具有某种含蓄和主动的性征,这让我着迷,我总是想用红色创作作品。”

此次展览的主色调也正是红色。在中央美院美术馆的一层大厅,2013年在柏林的马丁—格罗皮乌斯博物馆展出的《致心爱太阳的交响乐》以规模较小的方式出现,血红的蜡砖不定时被传送带运到中庭中心上空,然后自由降落。在美术馆三层,卡普尔2015年在法国凡尔赛宫个展首秀的《将成为奇特单细胞的截面体》,不仅呈现了令人着迷的生物形态设计,还邀请观众通过侧面隐蔽的门进入作品内部,探索装置内部与外部之间的几何空间关系。而作品上鲜红的洞也被连接在一起,形成了一张关于躯体、存在与信仰的网。在此作品附近的另一空间,是卡普尔2017年在阿根廷纪念公园展出的工业景观《远行》,一辆涂满湛蓝颜色的挖掘机爬伏在几百吨红色泥土上,形成鲜明的对比。漫山遍野的红色色粉如浪涌一般,层层叠叠,形成热烈的景观。另一件巨型自动装置作品《我的红色家乡》则被放置在美术馆四层。机器带动一条金属臂沿着装有25吨红色软质蜡的开口容器的表面转动。金属臂在一个小时的转动中,环绕着蜡质表面缓慢运动,好像在搅拌材料,不断塑造蜡的形状,反复形成奇特景观。

《放逐》土、色粉、挖掘机尺寸可变©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019

卡普尔自述。卡普尔钟爱红色,在东、西方的语境中,红色常被认为与血液、祭祀、生命、热情相关,传达着神秘的意志和深刻的寓意。

作为艺术家,我要使我的每一件作品不止是物体,还是哲学的承载,很多作品都是我东方思想的呈现。安尼施卡普尔说。

《我的红色家乡》,2003蜡、油基漆、铁制臂、发动机直径12米图片拍摄:米歇尔扎比©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019

安尼施•卡普尔在利用材料媒介方面是个不折不扣的高手,大理石、石膏、木头、不锈钢、玻璃、树脂、蜡油器、白垩粉末、镜面等等。利用大块红蜡是卡普尔的拿手好戏之一,也成为其艺术生涯里占比例相当大的一种创作材料,本次展览的四个大型装置作品,有两个是以红蜡为媒材。

除了大型装置作品,展览还呈现了卡普尔在过去几十年间重要公共项目作品的模型,包括《云门》《轨道》《南岸中心》《地铁站,蒙特圣安杰洛,那不勒斯》以及今年在纽约展出的《伦纳德街模型》等。

除了这些大型装置作品外,卡普尔还将展出过去几十年的艺术实践中重要公共项目作品的模型,包括《云门》(2004)、《轨道》(2010)、《南岸中心》(2001)、《地铁站,蒙特圣安杰洛,那不勒斯》(1999-2002)
以及2019年十月将会在纽约展出的《伦纳德街模型》。

卡普尔偏爱对“物质”的探索,汲取了极少主义的创作手法,将“物性”象征展露无疑,但同时保留着古老神秘、非同寻常的东方质感。1979年他第一次重返印度,返回英国之后便开始尝试使用泥土类材料进行创作,并涂上鲜艳的白垩粉,这些粉末在印度文化中有着特殊的含义——通常在寓意“惩恶扬善”的古老胡里节仪式表演中出现。原色粉末与单体几何的组合模式,成为他惯常采用的手法,其较早进入大众视野的作品《1000个名字》是一个突出例证,原意来自印度教之神毗湿奴的1000个名字,数字象征着无限,他描述“粉末显示出地板和墙面,而物体的一部分侵入水面,像冰山一样”。
延续此系列的其他颜料雕塑作品,包括蓝色的《天使》和多形多色的《反射红色的一个私密部分》在太庙古老的建筑空间与观众碰面,不同的形状与突起迷惑着观者的双眼。浓厚的神秘主义与丰富的戏剧性使得作品充满鲜活的生命力,这两个特征贯穿了他的创作历程。

据展览总策展人、中央美术学院美术馆馆长张子康介绍,此次个展的另一部分还将于11月11日在北京太庙艺术馆开启,卡普尔在概念上最具冲击力的一组相互呼应的作品《S曲线》和《C曲线》将被放置在太庙的中庭。《S曲线》是两片大型不锈钢无缝连接形成的S形雕塑,而《C曲线》则是一整片巨大的弧形不锈钢。两件艺术品两侧的凸面与凹面,则分别直映与倒映出周围的景象。围绕着这些作品的将是另一组卡普尔的重要不锈钢雕塑作品,包括《斯塔夫》《非物体(尖顶)》《非物体(门)》等。这些作品皆呈现了颠倒的映象,将观众融于周边的建筑与环境中。

《天空之镜》,2006不锈钢直径10米图片拍摄:提姆米切尔©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019

安尼施•卡普尔善于营造庞大的公共雕塑作品,以绝对吸引眼球的庞大形式抓住人心,同时却带来充满幻象的体验。不少人被卡普尔吸引,来自他在世界各处营造的镜面奇观,譬如芝加哥千禧年公园《云门》、纽约洛克菲勒中心《天空之镜》,曲面镜作品《C曲线》《S曲线》《非物质》曾在伦敦肯辛顿花园展出,现在这组系列不锈钢雕塑作品在太庙艺术馆展出,当人们走进他的作品的时候,反射的形象发生了变化,有时候巨形的放大,有时候缩小,甚至变成倒立。所以这些镜像、镜中之像就给观者带来了各种新的体验,而这种互动是不需要翻译和言说的,因为是置身其中可以感受到。

或许人们在许多重要国际美术馆和公共空间,如泰特现代美术馆、凡尔赛宫、罗马现代艺术美术馆、芝加哥千禧公园等都曾经领略过安尼施卡普尔那糅合东西方精神,并与环境完美结合的大型作品带来的视觉震撼,但此次卡普尔来到北京,在富有现代文化精神的中央美院美术馆和最具中国文化象征性的太庙艺术馆同时展出,将呈现一次难得的东西方多元文化观念间的对话与碰撞,中国观众也将领略卡普尔对材料、形式、技术和东西方文化的深入探索。张子康说。

《海啸》,2018不锈钢图片拍摄:戴夫摩根©安尼施卡普尔,图片版权所有,2019